Roger Taylor schreibt dazu:

What happened to the protest song? Music is now so polished, shiny and predictable, we have forgotten to try and „say something with it“.

I am getting old and like everyone, have the right to say something about the „state of control“ we live under – powerless to do anything about it. […]

We are fighting a pointless actively negative war which is killing our young soldiers and which we simply cannot afford. This war promotes and prolongs terrorism. This is our Vietnam. Unwinnable. Pointless. […]

We are spied upon by 5 million cameras. […]

We are directionless.

I‘m pissed off – you should be too.

Der Song selber hört sich wirklich gut an. Er erinnert mehr an „Happiness?“ (1994) als an „Electric Fire“ (1998) von der Musik her, insofern als weniger elektronische Effekte zum Einsatz kommen. Roger Taylors Stimme merkt man die elf Jahre seit „Electric Fire“ übrigens kein bisschen an. Viele kennen ihn sicher hauptsächlich als Schlagzeuger von Queen, aber er ist auch ein toller Lead-Sänger.

Inhaltlich fasst obiges Zitat den Text des Songs gut zusammen. Es werden verschiedene aktuelle Sachen angesprochen, u.a. der Krieg in Afghanistan, die Wirtschaft und die CCTV-Schwemme. Das ganze ist mehr als man es vielleicht gewohnt ist aus britischer Perspektive geschrieben, aber das ist letztlich die Intention dahinter. Roger Taylor will mit diesem Song etwas sagen und nimmt dabei in Kauf, dass der Text ein, zwei holperige Stellen hat. „The Unblinking Eye“ ist weniger ein auf Hochglanz poliertes Meisterwerk als ein toll gemachter Song mit aktuellem Bezug. In verschiedenen Foren habe ich auch gelesen, dass der Song wohl relativ kurzfristig entstanden ist. Der Text hat aber trotzdem den von Roger Taylor gewohnten Biss:

God would weep
if he existed
and he saw what man can do to man
He‘d think that we were twisted

Das Stück ist sechs Minuten lang, aber es kommt einem kurz vor. Meine Hoffnung ist jetzt nur, dass Roger Taylor wieder auf den Geschmack kommt und weiterschreibt. Hängt vielleicht aber auch vom Erfolg dieses Songs ab, ob er daraus ein Album macht, also: Nicht nur bei YouTube anhören, sondern kaufen gehen.

Im Moment kann man den Song nur im Queen-Online-Shop erwerben. Das ist natürlich umständlicher als Amazon oder iTunes. Der Bestellvorgang war bei mir zumindest auch nicht ideal (entgegen den Infos auf den Hilfeseiten stand kein PayPal zur Auswahl sondern nur Kreditkarte, nach dem Bestellen ging es kommentarlos zurück zur Startseite – der Downloadlink tauchte nach einer Weile im Account in der Order-History auf). Nichtsdestotrotz: Wenn ihr eine Kreditkarte habt, unterstützt das doch und ordert den Song. Man kriegt für 99 Pence bzw. 1,10 Euro eine MP3-Datei mit 320 Kbit/s und ohne DRM.

So, und damit ihr einfach mal reinhören könnt, hier das Video dazu:

YouTube-Video anzeigen

Update 10. Feb 2010: Mittlerweile ist der Song im Queen-Store auch auf CD zu haben und man kann ihn bei iTunes downloaden.

Soweit nicht anders angegeben: © Johannes Ruthenberg. Lesen erwünscht, Zitieren erlaubt, Übernahme des kompletten Textes oder Einbinden des Feeds in andere Webseiten nicht gestattet! Für mehr Infos dazu siehe http://johannes-ruthenberg.de/infos.

Das Album

Nicht falsch verstehen: Es ist kein schlechtes Album. Aber wenn „Queen“ vorne drauf steht, reicht „ok“ nicht aus, auch „gut“ nicht wirklich. Da erwartet man unwillkürlich etwas Grandioses. Sehr zu Gute halten muss man es Brian, Paul und Roger schon, dass sie nicht einfach „Queen“ draufgeschrieben haben, sondern als „Queen + Paul Rodgers“ firmieren. Das ist schon mal ein ehrlicher Hinweis, dass dies keine reine Fortsetzung der Queen-Tradition ist. Vielmehr bringt Paul Rodgers viel von sich und seinem Musikstil ein, und man müsste sich fast fragen, ob es nicht vielleicht sogar „Paul Rodgers + Queen“ hätte heißen sollen.

Hier liegt vielleicht auch mein Problem: Ich kannte Paul Rodgers vorher nicht. Er ist ein guter Sänger und hat auf den beiden Konzerten, auf denen ich ihn gesehen habe, eine wirklich gute Performance abgeliefert, auch bei den Queen-Klassikern. Aber ich bin nicht wirklich ein Fan von Rodgers, und sein Musikstil kommt mir oft zu simpel vor. Eine ganze Reihe an Songs des neuen Albums sind so gehalten: Paul Rodgers singt fast durchgehend alleine, und die Texte hauen einen nicht gerade um mit Tiefgründigkeit oder Witz. Für ein echtes „Queen + Paul Rodgers“-Album hätte ich mir gewünscht, dass man mehr von Brian May und Roger Taylor zu hören bekommt, insbesondere da beide vollwertige Musiker sind, die seit dem Ende von Queen (Roger Taylor auch schon vorher) beide sehr gute Solowerke abgeliefert haben. Und das ist so rein gefühlsmäßig das traurige Fazit: „The Cosmos Rocks“ hört sich gut an, aber Brian Mays „Business“ oder Roger Taylors „Electric Fire“ toppt es nicht.

Wer sich jetzt die ganze Zeit fragt, wer um Himmels Willen Paul Rodgers ist: Der britische Musiker hat früher für die Bands „Free“ und „Bad Company“ gesungen, welche man kennen könnte aber nicht muss („All Right Now“, „Feel Like Making Love“, „Can’t Get Enough“). Nach einem gemeinsamen Auftritt 2004 entstand die Idee einer Zusammenarbeit von Rodgers mit May und Taylor, was in eine lange Tour 2005/2006, mehrere Live-Veröffentlichungen und nun dieses Album mündete.

Die Tracks

Das Album enthält 14 Tracks mit einer Gedamtspielzeit von knapp 59 Minuten. Die Tracks im einzelnen:

1. Cosmos Rockin‘
2. Time To Shine
3. Still Burnin‘
4. Small
5. Warboys
6. We Believe
7. Call Me
8. Voodoo
9. Some Things That Glitter
10. C-lebrity
11. Through The Night
12. Say It’s Not True
13. Surf’s Up… School’s Out
14. Small Reprise

„Cosmos Rockin‘“ ist ein schöner Song zur Eröffnung des Albums. Ich bilde mir ein, dass er vom Stil her eher Brian May zuzuordnen ist, auch wenn die Texte wie gewohnt nicht den einzelnen Leuten zugeordnet sind („all tracks written by Queen + Paul Rodgers“). Die Lyrics mag man übertrieben finden, aber wenn man seit 25 Jahren auf Konzertbühnen steht und vor vielen Millionen Menschen gespielt hat, kommt das der Realität recht nahe: „We got the whole world rocking.“

„Time To Shine“ haut mich nicht speziell um, der Song plätschert etwas vor sich hin. „Still Burnin‘“ ist dann wieder rockiger und klingt wesentlich besser. „Small“ ist ein ruhiger, langsamer Song, der aber gut anzuhören ist.

„Warboys“ ist wieder rockiger und klingt gar nicht schlecht. Der Text verwirrt mich aber. Falls darin eine Message stecken soll, ist sie zu gut versteckt. „We Believe“ ist da schon wesentlich klarer. „Call Me“ würde ich als Song eher Paul Rodgers zuordnen. Catchy, klingt gut, aber der Text bewegt sich für meinen Geschmack auf zu simplem Niveau.

„Voodoo“ wird sehr von Brian Mays Gitarre dominiert. „Some Things That Glitter“ ist einer meiner Lieblingssongs der CD. Er passt vielleicht noch am ehesten in die Kontinuität der späteren Queen-Alben, mit einer guten Kombination aus Musik, Gesang und Text.

So let us mind what’s there to see
Befor our hearts become too cold
Inspite of all that we‘ve been told
Some things that glitter may be gold

Danach kommt ebenfalls ein Highlight des Albums: „C-lebrity“, welches auch die erste Single des Albums war (naja, gewissermaßen, siehe Anmerkung zu „Say It’s Not True“). „C-librity“ klingt als wäre es direkt einem Roger-Taylor-Album entsprungen. Akustisch erinnert es z.B. sehr an „Nation of Haircuts“, auch wenn Paul Rodgers singt. Der Text ist eine bitterböse Satire auf die modernen, talentfreien Celebrities. Wirklich böse ironisch, aber es bleibt auch deswegen im Gedächtnis, weil ja viel Wahres dran ist. Man ertappt sich dann immer mal wieder dabei, den Refrain vor sich hinzusummen. „I want to be – a face on your TV“. Roger Taylor saß übrigens vor ein paar Tagen gerade auf der Morgenmagazin-Couch und meinte, er würde durchaus gerne „X-Factor“ schauen (ein britisches Superstar-Format). „They can’t sing, but it’s entertaining.“ meinte er dazu.

„Through The Night“ entspricht dann wieder eher Brian Mays Stil, kann aber nicht wirklich mit einer interessanten Melodie aufwarten. Danach kommt „Say It’s Not True“. An sich ein Klasse Song, aber es fällt mir schwer, ihn als Teil dieses Albums zu sehen, schließlich wurde er schon 2003 geschrieben und damals noch allein von Roger Taylor vorgetragen. Gehört habe ich ihn auch schon beim „Queen + Paul Rodgers“-Konzert 2005. Trotzdem ist es aber ein geniales Lied, das auch perfekt zu Queen passt. Etwas detaillierter hatte ich das Lied letztes Jahr zur „Say It’s Not True“Single-Veröffentlichung beschrieben. Es ist übrigens auch das einzige Stück der CD, dass die drei zu dritt singen, jeder eine Strophe und den Refrain zusammen.

Danach klingt das Album mit der Rocknummer „Surf’s Up… School’s Out“ und einem kurzen instrumentellen Stück aus.

Die Konzerttour

Es ist im übrigen leicht, dieses Album als verzweifelten Versuch abgehalfterter Rockmusiker hinzustellen. Die zugehörige Konzerttour war aber durchaus gelungen und auch erfolgreich. So fand z.B. das Eröffnungskonzert in Kharkov in der Ukraine vor 350,000 Leuten statt! Insgesamt spielten Queen + Paul Rodgers 40 Konzerte in zwanzig Ländern vor fast 1 Million Zuschauern. Neben den neuen Songs wurden natürlich auch viele Queen-Klassiker gespielt sowie einige Songs aus Paul Rodgers‘ Karriere. Bei ein oder zwei Songs wurden Aufnahmen von Freddie Mercury per Leinwand dazugeschaltet, und es gab natürlich die unvermeidlichen Gitarrensolos von Brian sowie eine interessante Nummer von Roger Taylor, der einen Kontrabass als Drum-Kit benutzte (wenn ich mich da richtig erinnere).

Fazit

Nach „Say It’s Not True“ und „C-lebrity“ hatte ich mir von diesem Album viel versprochen, denn beide Songs sind wirklich gelungen. Als es dann rauskam, war die Mischung aber doch etwas durchwachsen. Einige Songs sind sehr schön und werden sicher auch Klassiker. „Some Things That Glitter“ mag ich zum Beispiel sehr, und „Cosmos Rockin‘“ wird auf eventuellen zukünftigen Konzerten sicher auch gespielt (in Cardiff letztes Jahr war das der Eröffnungssong). Wenn Paul Rodgers mal wieder auf Solotour geht, wird er sicher auch „Call Me“ spielen. Der Rest ist gut anzuhören, aber ohne echte Highlights und es ist, was Gesang betrifft, weniger von Brian May und Roger Taylor zu hören als ich gehofft hatte. Unterm Strich bleibt also ein solides Album, das sein Potentiel leider nicht ausreizt.

Das Album ist übrigens sehr schnell sehr billig geworden, so dass einem die Kaufentscheidung nicht zu schwer fallen sollte. Wer sich mit Paul Rodgers gar nicht anfreunden kann, sollte aber zumindest in „Say It’s Not True“ und „C-lebrity“ mal reinhören. Beide Songs sollte man per Amazon auch einzeln erwerben können.

Soweit nicht anders angegeben: © Johannes Ruthenberg. Lesen erwünscht, Zitieren erlaubt, Übernahme des kompletten Textes oder Einbinden des Feeds in andere Webseiten nicht gestattet! Für mehr Infos dazu siehe http://johannes-ruthenberg.de/infos.

„I‘d had a really good run, I‘d built a band with some great people. But the creative spark that had been there, that [1998's] ‚White Ladder‘ was born out of, was sort of gone. I just felt there was a need for some new energy and a new impetus to the whole thing.“

Und in der ersten Single des Albums, „Fugitive“, kam diese neue Energie auch wirklich rüber. Das Album selber hat mich dann beim ersten Hören erstaunlicherweise gar nicht so begeistert. „Fugitive“ hatte ich da ja schon mehrere Wochen lang rauf und runter gehört und der Reiz des Neuen war schon etwas verflogen. Die restlichen Songs des Albums entsprachen dagegen einfach nicht den Erwartungen, welche verschiedene Interviews mit David Gray bei mir geweckt hatten. Die meisten Songs sind eher ruhig, einige lyrisch, andere schwermütig. Energiegeladen im Stile von „You‘re The World To Me“ kam mir beim ersten Hören eigentlich keines der Lieder vor. „Jackdaw“ und „Stella The Artist“ ragen da noch am ehesten heraus.

Das Album

Aber wie immer gilt: Dreimal hören ehe man sich ein Urteil bildet und möglichst wenig vorgefertigte Erwartungen mitbringen. „Draw The Line“ ist natürlich ein klassisches David-Gray-Album, das sich hinter keinem seiner Vorgänger zu verstecken braucht. Gerade mit dem letzten Studioalbum verglichen ähnelt „Draw The Line“ meiner Meinung nach eher wieder den beiden Alben davor. Die Songs sind weniger orchestral instrumentalisiert, ohne so einfach wie David Grays Debut-Album zu werden. Die Texte sind diesmal teilweise etwas belanglos, aber es sind auch in dieser Hinsicht einige sehr gute Songs dabei. Wie immer muss man genau hinhören, denn einige der Lieder haben Texte, die man rein von der Musik her zu urteilen gar nicht erwarten würde. Und das ist dann wieder absolut typisch für David Gray, eine gewisse Bissigkeit muss da einfach sein.

Zum Album: Es enthält 11 Songs mit einer Gesamtspielzeit von etwa 47 Minuten. Gestalterisch ist das Album sehr schön gemacht, irgendwie verschnörkelt und auf klassisch getrimmt (erinnert mich ein wenig an Queens „Innuendo“). Die dermaßen gestalteten Liedtexte zu lesen ist aber leider etwas schwierig. Es gibt im übrigen zwei Versionen, die normale Ausgabe und die Deluxe-Edition mit zwei CDs. Auf der Bonus-CD sind Live-Aufnahmen älterer Songs zu hören. Im Überschwang, die CD endlich kaufen zu können, hatte ich daran gar nicht gedacht und die normale CD erstanden. Das muss ich bei Gelegenheit noch korrigieren.

Die Tracks

Die Titel im einzelnen:

1. Fugitive
2. Draw The Line
3. Nemesis
4. Jackdaw
5. Kathleen
6. First Chance
7. Harder
8. Transformation
9. Stella The Artist
10. Breathe
11. Full Steam

„Fugitive“ ist wie erwähnt die erste Single des Albums und strahlt das aus, was ich vom ganzen Album erwartet hatte: Es ist ein dynamischer Song, kraftvoll und optimistisch wirkend. Der Text ist etwas verklausuliert, aber ich denke, man kann die Bedeutung herauslesen. Und nicht zuletzt ist „Fugitive“ sofort eingängig, man kann die Melodie mitsummen, den Text mitsingen. Das Ganze hat Ohrwurm-Qualität. Sehr, sehr schön ist auch das Video geworden, finde ich:

YouTube-Video anzeigen

„Draw The Line“, der titelgebende Song, ist schwermütiger. Inhaltlich geht es um einen Neuanfang, und musikalisch ist das Lied durchaus auch einprägsam. Der dritte Song, „Nemesis“, ist sehr interessant: Beim ersten Hören klingt es nach einer Liebesballade, ein ruhiger, verspielter, lyrisch klingender Song. Der Text sieht aber anders aus:

I am your one true love
Who sleeps with someone else
I am your Nemesis
Baby I‘m life sweet life itself

Das Leben selbst als Nemesis!? Ein interessantes Konzept auf jeden Fall, und der Gegensatz von Musik und Text macht das ganze spannend. Der Text hätte auch auf David Grays erste beide Alben perfekt gepasst, das hätte sich damals aber sicher anders angehört.

Die nächsten beiden Titel sind dann wirklich Liebeslieder, mehr oder weniger, wenn auch sehr verschiedene. „Jackdaw“ ist wieder ein energetischer und fröhlicher Song. „Kathleen“ ist dagegen schwermütig, zumindest vom Text her. Musikalisch klingt auch „Kathleen“ eher beschwingt. David Gray singt hier übrigens zusammen mit Jolie Holland, man hört sie aber leider nur sehr schwer heraus. Das mag Absicht sein, da es ja inhaltlich gerade darum geht, dass Kathleen nicht mehr da ist, aber ist doch etwas Schade.

Als nächster Titel folgt „First Chance“, mit fast 6 Minuten Länge das längste Stück des Albums. „First Chance“ erinnert textlich und auch von David Grays Stimme her wieder an seine frühen Werke. Zumindest während der Strophen selber dominiert auch die Gitarre. Es schwingt eine gewisse Ungeduld und Ärger mit.

First chance I get I‘m outta here,
First chance I get I‘m gone

„Harder“ ist wieder ein relativ ruhiger Song. Der Mittelteil klingt sehr schön harmonisch, während der Rest des Liedes nicht sehr herausragt. „Harder“ geht musikalisch relativ nahtlos über in „Transformations“. Dieses Lied beginnt sehr ruhig, steigert die Lautstärke dann aber zur Mitte hin. Es hat eine optimistischere Atmosphäre und einen irgendwie poetisch klingenden Text.

„Stella The Artist“ setzt das fort: Es ist ein Song an die Inspiration selbst, Stella symbolisiert Grays Muse. Das Lied ist schneller, kraftvoller und fröhlicher. „Breathe“ ist das vorletzte Lied der CD. Es wird von einer zugrundeliegenden sehr einfachen Melodie getragen, die zwischen den Strophen immer wieder durchklingt. Der Text ist eindringlich und energisch vorgetragen. Das Lied passt sehr gut zu David Gray und hat wirklich was.

Den Abschluss des Albums bildet „Full Steam“, was gleichzeitig vielleicht auch das interessanteste Lied der CD ist. David Gray singt „Full Steam“ zusammen mit Annie Lennox, und im Gegensatz zu Track 5 ist dies ein echtes Duett, wo man beide Stimmen gleichberechtigt heraushört. Beim ersten Hören war ich hier eher enttäuscht, aber der erste Eindruck trügt eben manchmal auch: „Full Steam“ ist ein toller Song, der sehr schnell zum Ohrwurm wird. Mehr als einmal habe ich den am Ende der CD einfach dreimal, viermal nacheinander laufen lassen. Wichtig: Ihr müsst auf den Text achten. Dreht die Musik ruhig lauter auf und greift euch das Booklet. Musikalisch ist das Lied eher ein Understatement, erst der Inhalt macht es zu etwas Besonderem.

Das Lied beginnt relativ leise, Annie Lennox und David Gray wechseln sich konstant jede Zeile ab. Der Gesang ist irgendwie schwermütig und langsam, aber doch kraftvoll vorgetragen. Das ganze baut sich dann zum Refrain hin auf, den beide zusammen singen.

Now you saw it coming
And I saw it coming
We all saw it coming
But we still bought it
You saw it coming
And I saw it coming
But still running full steam ahead

Inhaltlich hat das was Fatalistisches und Trauriges, aber es ist einfach genial vorgetragen. Wie gesagt, Ohrwurm-Gefahr.

Fazit

Der ganz große Wurf, der komplette Neuanfang, wie das Album vorab beworben wurde, ist „Draw The Line“ eher nicht. Es steht mehr in der Tradition der Vorgängeralben als ich erwartet hätte, aber das ist ja auch nicht schlecht, schließlich waren alle David-Gray-Alben bisher auf ihre Art sehr gut. Mit „Fugitive“ und „Full Steam“ wird das Album eingerahmt von zwei sehr genialen Songs. Dazwischen liegen viele interessante Stücke, einige Songs wissen jedoch nicht so wirklich zu begeistern. Insbesondere ist mir nicht klar, wieso der sehr schöne Song „Indeed I Will“ auf dem Album nicht drauf ist (gab es im Vorfeld als kostenlosen Download).

Alle Kritik ist aber natürlich Meckern auf hohem Niveau: „Draw The Line“ ist auf jeden Fall ein hörenswertes Album, das auch einen guten Gesamteindruck macht. Wer David Gray noch gar nicht kennt, sollte vielleicht zuerst zum „Greatest Hits“-Album greifen, um ein bisschen ein Gefühl für seine Musik zu bekommen, Fans kommen jedoch an „Draw The Line“ nicht vorbei.

Mehr Videos von David Gray kann man in seinem YouTube-Channel sehen. Es gibt wohl auch ein Video zu „Full Steam“, das dort hoffentlich bald zu sehen ist.

Soweit nicht anders angegeben: © Johannes Ruthenberg. Lesen erwünscht, Zitieren erlaubt, Übernahme des kompletten Textes oder Einbinden des Feeds in andere Webseiten nicht gestattet! Für mehr Infos dazu siehe http://johannes-ruthenberg.de/infos.

Derweil hat Dave Carroll, wie er United Airlines versprochen hatte, das zweite von drei Videos über den Fall produziert: United Breaks Guitars Song 2

Soweit nicht anders angegeben: © Johannes Ruthenberg. Lesen erwünscht, Zitieren erlaubt, Übernahme des kompletten Textes oder Einbinden des Feeds in andere Webseiten nicht gestattet! Für mehr Infos dazu siehe http://johannes-ruthenberg.de/infos.

Etwas aus dem Rahmen des Üblichen fiel der Support, den sie dabei hatte. Keine Ahnung, ob die Initiative von einem Fanclub oder ihrem Management kam, jedenfalls liefen Leute durchs Publikum und sammelten Mail-Adressen für ihren Newsletter. Und nach dem Konzert wurde mir im Foyer ein Flyer in die Hand gedrückt, der den kostenlosen Download ihres Songs „Nobody’s Fault But Mine“ versprach. Kostenlos und legal ist immer gut, dachte ich mir, und zog mir den Song ein paar Tage später runter. Und wer hätte es gedacht, Beth Rowleys Musik gefiel mir gut, so dass ich mir das im April erschienene Debüt-Album sofort zugelegt habe. Und ja, diese Review hier stand seit gut sechs Monaten auf meinem ToDo-Zettel. :-/

Beth Rowley

Beth Rowley ist Jahrgang 1981 und wurde in Peru geboren. Ihre britischen Eltern zogen 1982 zurück nach Großbritannien, wo Beth in Bristol aufwuchs. Sie studierte Musik und Kunst am Weston-super-Mare College und wechselte 2003 zum Brighton Institute of Modern Music. Zusammen mit Saxophonist Ben Castle veröffentlichte Beth drei EPs. Außerdem tourte sie als Background-Sängerin mit Ronan Keating und Enrique Iglesias.

Beth Rowleys Musik zu beschreiben fällt mir gar nicht so leicht. Zumindest drängen sich mir keine offensichtlichen Vergleiche auf. Sie hat eine klare Stimme, und man merkt, dass sie eine Gesangsausbildung erhalten hat. Die Instrumentalisierung ist angemessen, aber übertönt nie den Gesang. Die Einordnung in ein Genre fällt mir schwer, aber ich glaube ja sowieso nicht wirklich an Schubladen. Auf ihrer Webseite schreibt Beth selbst:

I‘m influenced by a lot of bluegrass, gospel, soul & country, so my music has moments of them all. It’s all of them and something else, something personal.

Und das trifft es denke ich ganz gut. Am besten besucht ihr die Seite mal selbst und hört in ihre Songs ein wenig rein.

Little Dreamer

Das Album heißt „Little Dreamer“ und enthält 11 Tracks, Gesamt-Spielzeit ca. 40 Minuten. Die Lieder im einzelnen:

1. Nobody’s Fault But Mine
2. Sweet Hours
3. So Sublime
4. I Shall Be Released
5. Only One Cloud
6. When The Rains Came
7. Oh My Life
8. Angel Flying Too Close To The Ground
9. Almost Persuaded
10. You Never Called Me Tonight
11. Beautiful Tomorrow

„Nobody’s Fault But Mine“ ist ein Traditional, welches Beth Rowley schon auf einer ihrer EPs veröffentlicht hatte. Der Song ist eher langsam und melancholisch, gewinnt gegen Ende jedoch an Laustärke und Background-Sängern. „Sweet Hours“ ist von Beth Rowley und Ben Castle geschrieben und eher beschwingt. „So Sublime“ schließt sich da stilistisch recht nahtlos an. Der Song wurde im Mai als zweite Single des Albums veröffentlicht.

Als nächstes singt Beth mit „I Shall Be Released“ ein Cover von Bob Dylan. Ich kenne das Original nicht, aber diese Version gefällt mir auf jeden Fall und ist für mich mit eines der Highlights der CD. Das Lied ist auch etwas schneller als der Rest.

„Only One Cloud“ ist wieder von Beth Rowley und Ben Castle geschrieben und ist ein recht ruhiger Blues-Song. „When The Rains Came“ ist ein Cover des britischen Blues-Sängers Jim Crawford. „Oh My Life“ ist ein sehr schöner, kraftvoller Song, den Rowley mit einigen Bandkollegen zusammen geschrieben hat und wo man auch Ben Castles Saxophon deutlicher hört. Das Lied erschien im Februar als erste Single des Albums.

Danach folgt mit „Angel Flying Too Close To The Ground“ wieder ein Cover, diesmal von Willie Nelson. Beth singt hier im Duett mit dem irischen Musiker Duke Special. Die Instrumentalisierung ist eher spärlich und überlässt den Stimmen den Vordergrund. Ein ruhiger, langsamer Song mit sehr weichen Stimmen.

Auch „Almost Persuaded“ ist ein Cover und ist mit einer meiner Lieblings-Songs des Albums, genau wie das folgende „You Never Called Me Tonight“, welches wieder von Rowley und Castle geschrieben wurde. Beide Songs erzählen jeweils eine hübsche kleine Geschichte, vorgetragen in Beth‘ ruhiger und klarer Stimme. Abgeschlossen wird das Album von dem Traditional „Beautiful Tomorrow“.

Mein einziger Kritikpunkt an dem Album: Das dünne Booklet enthält einige hübsche Fotos, aber keine Liedtexte. Mit Coverversionen mag das immer schwieriger sein, die Rechte für die Texte zu erhalten. Unmöglich ist es aber nicht, und zumindest die Texte der selbstgeschriebenen Songs hätte ich wirklich erwartet.

Fazit

Beth Rowleys Musik lebt von ihrer wunderbaren Stimme und der atmosphärisch passenden Instrumentalisierung. Wer auch Musik abseits von modernem Pop und Rock mag und ganz grob mit Blues und Soul mit Pop-Anklängen etwas anfangen kann, sollte hier auf jeden Fall mal reinhören. Ich mag an Rowleys Musik vor allem die Mischung. Es ragt hier eigentlich kein Song wirklich heraus, stattdessen finde ich an fast allen der 11 Lieder etwas, das mir gefällt. Es ist auf jeden Fall ein Album, das nicht nach einer Woche wieder in der Versenkung verschwindet, sondern das man immer wieder gerne hört.

Links

Offizielle Webseite
Beth Rownleys MySpace-Seite

Soweit nicht anders angegeben: © Johannes Ruthenberg. Lesen erwünscht, Zitieren erlaubt, Übernahme des kompletten Textes oder Einbinden des Feeds in andere Webseiten nicht gestattet! Für mehr Infos dazu siehe http://johannes-ruthenberg.de/infos.

Der Soundtrack

Was mir im Vergleich zu vielen anderen Soundtracks auffällt: Da die Musik aus einem guten Dutzend ganz verschiedener Episoden stammt, ist sie nicht so in sich geschlossen wie man das von einem Film-Soundtrack gewöhnt ist. Murray Gold packt in seine Musik die verschiedensten Stile, je nach den Erfordernissen der Episode. So klingt der Soundtrack manchmal bombastisch-orchestral nach „Gladiator“ von Hans Zimmer und Lisa Gerrard, an anderen Stellen erinnert er an Danny Elfmans „Batman“. Jazzige Stücke wechseln sich ab mit action-getriebenen Tracks, militärisch klingende Stücke mit wunderbaren Themen, die einfach den „Sense of Wonder“ der Serie transportieren. Und dazu gibt es als Dreingabe noch zwei von Yamit Mamo gesungene Songs. Diese Unterschiedlichkeit macht den Soundtrack nicht ganz so einfach zu hören, da sich laute und leise, langsame und schnelle Stücke abwechseln. Auf der anderen Seite sorgt das auch dafür, dass die Musik immer spannend bleibt.

Und vor allem kriegt man hier wirklich etwas für sein Geld: Die CD enthält ganze 28 Tracks mit einer Spielzeit von 1 Stunde und 14 Minuten! Neben den Episoden der dritten Staffel ist auch Musik aus den Christmas Specials „The Runaway Bride“ (vor der dritten Staffel) und „Voyage Of The Damned“ (nach der dritten Staffel) enthalten. Außerdem gibt es ein schön gestaltetes Booklet, mit einer wie immer witzigen Einleitung von Produzentin Julie Gardner und kurzen Kommentaren von Murray Gold zu jedem Stück.

Die Tracks

Folgende Stücke sind auf der CD enthalten:

1. All The Strange, Strange Creatures (The Trailer Music)
2. Martha’s Theme
3. Drowning Dry
4. The Carrionites Swarm
5. Gridlocked Cassinis
6. Boe
7. Evolution Of The Daleks
8. My Angel Put The Devil In Me
9. Mr Smith And Joan
10. Only Martha Knows
11. Smith’s Choice
12. Just Scarecrows To War
13. Miss Joan Redfern
14. The Dream Of A Normal Death
15. The Doctor Forever
16. Blink (Suite)
17. The Runaway Bride
18. After The Chase
19. The Futurekind
20. YANA (Excerpt)
21. The Master Vainglorious
22. Martha’s Quest
23. This Is Gallifrey: Our Childhood, Our Home
24. Martha Triumphant
25. Donna’s Theme
26. The Stowaway
27. The Master Tape
28. Abide With Me

Der erste Track wurde für die Trailer der dritten Staffel benutzt und enthält verschiedene Themen. Es beginnt mit dem kräftigen Gallifrey-Thema, welches später in Track 23 wieder anklingt. Aber auch Marthas Thema steckt hier schon drin, was in Track 2 noch mal länger zu hören ist. Es beginnt ruhig und mystisch klingend und erst relativ spät kommt die typische Martha-Melodie auf. Auf dem gleichen Thema basiert „Martha Triumphant“ vom Ende der Staffel, nur klingt die Musik hier orchestraler.

Es folgen zwei eher action-reiche Themen aus der Shakespeare-Folge sowie ein kurzes, lockeres Thema aus der Folge „Gridlock“. Track 6 „Boe“ gehört zu meinen Lieblingsstücken der CD. Die Musik ist ruhig, aber mit einem energetischen Thema, das irgendwie das geheimnisvolle Flair des Face of Boe einfängt. Und obwohl es, soweit ich mich an die Episode erinnere, die Todesszene des Charakters begleitet, ist es eher fröhlich und optimistisch und einfach wunderschön.

Von dort geht es zu einem martialischen, aber kurzen Dalek-Thema, untermalt von einem unheilvoll klingenden Chor. Aus der gleichen Episode folgt dann der Song „My Angel Put The Devil In Me“. In der Episode wurde der Song von Miranda Raison gesungen, aber für den Soundtrack hat ihn Yamit Mamo neu aufgenommen, möglicherweise weil er in der Episode nicht komplett zu hören war!? Das Lied ist ein klassischer Song, jazzig und beschwingt, wie man ihn in einer in den 30ger Jahren spielenden Episode erwarten würde. Und Yamit Mamo bringt das mit einer rauchig klingenden Stimme perfekt rüber.

Es folgen sechs kürzere Stücke aus dem Zweiteiler „Human Nature“ und „Family Of Blood“. Murray Gold meint dazu im Booklet, dass er aus diesen Episoden allein ein Soundtrack-Album hätte zusammenstellen können. Die Stücke sind mit einem kleineren Orchester umgesetzt worden und klingen deswegen eher ruhig. Lediglich „Smith’s Choice“ ist lauter und schneller, da es aus dem Finale des Zweiteilers stammt. „Only Martha Knows“ fällt durch Pfeifen etwas aus dem Rahmen, in der Episode war das Stück wohl ohne zu hören. „Just Scarecrows To War“ klingt entsprechend dem Thema der Episode militärisch, angelehnt an typische Militärmärsche. „The Dream Of A Normal Death“ ist dann wieder ein wunderschönes, ruhiges Thema, das sich um den Doktor und seine (kurze) Aussicht auf ein normales, sterbliches Leben dreht.

„The Doctor Forever“ ist das Thema des Doktors und war in vielen Episoden der dritten Staffel zu hören. Es enthält die mystischen Elemente von Martha’s Theme und pendelt zwischen ruhigen und schnellen Momenten, mal mit Orchester, mal mit einem Chor im Hintergrund. Alles in allem passt es gut zum Doktor, enthält sowohl seine geheimnisvollen Aspekte als auch die Action und das Abenteuer. Ganz am Ende ist auch das Gallifrey-Thema angedeutet, welches dann jedoch wieder in eher nach Abenteuer klingender Musik endet.

Die Suite aus der Episode „Blink“ beginnt mit einem sehr ruhigen und tief klingenden Fagott, welches von einer schnelleren Melodie abgelöst wird. Auch das passt zur Atmosphäre der Episode, welche generell ruhig und unheimlich war, abgelöst von kurzen dramatischen Momenten. Die nächsten beiden Stücke stammen aus dem Christmas-Special „The Runaway Bride“. Die Musik zur Verfolgungsjagd ist entsprechend gestaltet, sehr klassisch und an den entsprechenden Stellen mit dem Helden-Thema des Doktors versehen.

Es folgen sechs Stücke aus dem Finale der dritten Staffel. „The Futurekind“ ist ein düsteres, schnelles Thema, das wieder eine Verfolgungsjagd illustrierte und irgendwie elektronisch klingt. „Yana“ ist das Thema des Masters und basiert auf Track 1. Es ist das kürzestes Stück der CD und untermalt recht bombastisch das Erscheinen des Masters. „The Master Vainglorious“ ist sehr psychedelisch und elektronisch und gefällt mir am wenigsten. Es ist einfach verglichen mit der restlichen Musik eher stressig, auch wenn es dann ab der Mitte von elektronischen Sounds wieder zum klassischen Orchester driftet und am Ende beides kombiniert. Natürlich passt es gut zum Charakter des Masters, illustriert schön seine Energie, seinen Machthunger und seinen Größenwahn.

Mein absolutes Lieblingsstück der CD ist „This Is Gallifrey: Our Childhood, Our Home“. Das Stück wurde, soweit ich mich erinnere, gespielt zu den Erinnerungen des Doktors und des Masters an Gallifrey, ihren untergegangenen Heimatplaneten. Es ist von einem konstanten Beat unterlegt, die Hauptmelodie wechselt dagegen zwischen langsameren und schnelleren Teilen. Die Musik transportiert einfach perfekt den „Sense of Wonder“ dieser Welt, aber auch die Melancholie, die Sehnsucht nach einer grandiosen Heimat, die für immer verloren ist. Dazwischen klingt auch das Thema des Masters wieder an, vermutlich passend zu seinen Erinnerungen. Stilistisch erinnert es an Boes Thema, vor allem in dessen zweitem Teil, ist aber durch den treibenden Beat irgendwie bewegter und schneller.

„Donna’s Theme“ ist ruhiger, klingt aber sehr nach „The Runaway Bride“. Es folgt der zweite Song des Albums, wieder gesungen von Yamit Mamo. „The Stowaway“ wurde von der Geschichte des Christmas Specials vor der vierten Staffel inspiriert und war dort im großen Ballsaal der Titanic zu hören. Yamit Mamo sang das Lied auch onscreen in der Episode und wurde dabei unterstützt von Murray Gold und Dirigent Ben Foster. Murray Gold entschuldigt sich im Booklet ausdrücklich für die schlechten Background-Sänger. Während Yamit Mamo in Track 8 noch rauchig und jazzig klang, bringt sie diesen Song wunderbar melodisch-beschwingt rüber. Was soll ich sagen: Ohrwurm-Gefahr!

„The Master Tape“ ist dann noch einmal ein Ausflug zurück zum Master. Das Thema ist sehr schnell und kräftig, aber weniger elektronisch als Track 21 und alles in allem viel schöner anzuhören. Das Album endet mit der christlichen Hymne „Abide With Me“ von Henry Francis Lyte und William Henry Monk (1847/1861), gesungen vom Crouch End Festival Chorus. Das ruhige und würdevoll klingende Lied war am Ende der Episode „Gridlock“ zu hören. Es fällt etwas aus dem Rahmen verglichen mit der restlichen Musik und passt deswegen wohl ganz gut ans Ende der CD.

Fazit

Murray Golds Musik ist abwechslungsreich und einfach spannend. Actionreiche Musik ist hier gemischt mit wunderbaren Themen und tollen Songs. Allen Fans der neuen „Doctor Who“-Serie kann ich dieses Album uneingeschränkt empfehlen. Inwiefern die Musik auch Leuten gefällt, die die Serie nicht kennen, bin ich mir nicht sicher. Für mich zumindest transportiert ein Soundtrack in erster Linie die Bilder, Geschichten und Emotionen des Filmes. Aber vielleicht ist Murray Golds Musik, in der das ganze Doctor-Who-Universum so wunderbar beschrieben ist, ja auch ein Ansporn, mal in die Serie reinzuschauen.

Soweit nicht anders angegeben: © Johannes Ruthenberg. Lesen erwünscht, Zitieren erlaubt, Übernahme des kompletten Textes oder Einbinden des Feeds in andere Webseiten nicht gestattet! Für mehr Infos dazu siehe http://johannes-ruthenberg.de/infos.

Alles in allem war das Konzert ein echtes Erlebnis, auch wenn der Gesamteindruck durch einige Dinge etwas getrübt wurde. Aber das soll nicht heißen, dass mich das Konzert nicht begeistert hat.

David Gray

Zuerst mal: Wer ist David Gray? In Großbritannien und Irland ist er sehr bekannt, aber in Deutschland dürften ihn eher wenige Leute kennen, was wirklich schade ist. David Gray stammt aus Manchester und brachte 1993 sein erstes Album „A Century Ends“ heraus. Diesem folgten sieben weitere, der große Durchbuch kam aber 1998 mit dem vierten Album „White Ladder“. In Irland ist es immer noch das meistverkaufte Album aller Zeiten. Wenn ihr mehr über David Gray wissen und vielleicht in seine Musik reinhören möchtet, besucht doch mal seine Website: www.davidgray.com.

Was mich an David Gray vor allem begeistert: Er ist wirklich gut in dem was er tut. Im Gegensatz zu so manchem Möchtegern-Popsternchen schreibt er seine Songs selber, er kann wirklich singen und er spielt mindestens Gitarre und Klavier. Das ist für mich einfach die Essenz eines Musikers: Jemand der sich nur mit einer Gitarre und einem Mikro auf die Bühne stellen und gute Musik machen kann. In David Grays Fall kommen dann auch noch viele wirklich gute Texte dazu.

Die Location

Die St. David’s Hall liegt mitten in Cardiff. Sie wurde 1982 fertiggestellt und zu einem Großteil über einem schon existierenden Einkaufszentrum errichtet. Von außen ist sie deshalb auch leicht zu übersehen. Innen erinnert sie stark an das Leipziger Gewandhaus, mit den verschiedenen, nach oben immer kleiner werdenden Ebenen.

Hier liegt auch mein Hauptproblem mit dem Abend: Die Konzerthalle ist speziell für eine gute Akustik gebaut worden, aber dabei hat man vermutlich nicht Lautsprecher von der Größe eines Kleinwagens eingerechnet. Gerade weil eigentlich alle von David Grays Alben bis auf das letzte sehr entspannt instrumentalisiert sind und immer seine Stimme im Vordergrund steht und weil das Konzert nicht in der Cardiff International Arena sondern dieser vergleichsweise kleinen Konzerthalle stattfand, hatte ich ehrlich gesagt mit einem halbwegs ruhigen Abend gerechnet. Die erwähnten Lautsprecher haben aber, kombiniert mit einer auch nicht gerade günstigen Sitzposition zu selbigen, dafür gesorgt, dass man bei dem ein oder anderen Song nur noch die Instrumente gehört hat und manchmal war auch da dann nichts mehr auszumachen vor schierer Lautstärke.

Und dabei habe ich keine Ahnung, ob das so sein sollte oder ob sich David Grays Techniker da mit der Akustik verschätzt hatten. Vielleicht hatten die Leute weiter oben und mehr mittig ja auch einen entspannten Abend. Note to self: Beim Kartenkauf für Konzerte den größtmöglichen Abstand zu den Lautsprechern einkalkulieren.

Die Vorbands

Das Konzert lief unter dem Motto „David Gray and friends“. Als wir 20 Minuten vor Beginn in den Hauptraum kamen, waren da schon zwei Damen auf der Bühne, deren Namen ich leider nicht mitbekommen habe. Pünktlich um 20 Uhr erschien dann Beth Rowley, welche den eigentlichen Abend einleitete und einige Songs aus ihrem Debütalbum „Little Dreamer“ sang. Musikalisch passte sie erfreulicherweise sehr gut zu David Gray und ihre Musik ist auch hübsch anzuhören. Vor allem ihre Stimme war beeindruckend. Das war also ein durchaus gelungener Auftakt. Witziges Details am Rande: Ihr Drummer spielte u.a. auf einem Koffer!

Die Set-Liste

Im Folgenden die Liste der Songs, die David Gray gesungen hat. Ich habe sie eine Woche später aus dem Gedächtnis aufgeschrieben, und als ich dann im Internet ein Foto der Original Set-List von Davids Klavier fand, lag ich zum Glück nur bei wenigen Songs daneben.

1. Shine
2. In The Morning
3. One Too Many Mornings
4. As I‘m Leaving
5. Living Room
6. Babylon
7. This Year’s Love
8. The One I Love
9. Sail Away
10. You‘re The World To Me
11. Everytime
12. Slow Motion
13. Nightblindness
14. Hospital Food
15. Late Night Radio
16. My Oh My
17. Be Mine
18. The Other Side
19. The Song of Wandering Aengus
20. Lately
21. Please Forgive Me

Die Lieder im einzelnen

David Gray betrat die Bühne kurz vor 21 Uhr, denke ich, offenbar gut gelaunt. „I‘m as close as it gets to the real St. David“, meinte er in Anspielung auf den Namen der Halle. Die ersten paar Songs sang er noch alleine, nur von seiner Gitarre begleitet. Begonnen hat er mit „Shine“, denn: „Let’s start at the beginning.“ Dieses Lied ist von seiner ersten CD, eine zugleich traurige und optimistische Ballade über das Ende einer Beziehung.

Die nächsten beiden Songs stammen von David Grays neuestem Album „A Thousand Miles Behind“. Auf dieser CD sind Cover von Liedern anderer Künstler versammelt, aufgenommen bei Konzerten der letzten Jahre. „In the Morning“ ist von Barry Gibb, „One Too Many Mornings“ von Bob Dylan. Eine Zeile aus letzterem Song gab der CD ihren Namen. „One Too Many Mornings“ war für mich auch ein erstes Highlight des Abends, weil ich den Song noch nicht kannte und weil es einer der ruhigsten des ganzen Abends war.

Danach kamen „As I‘m Leaving“, ein Song vom „The Lost Songs“-Album, und „Living Room“. Etwa an der Stelle holte David Gray dann auch die ersten beiden Mitglieder seiner Band auf die Bühne. Mit „Babylon“ folgte dann ein Publikumsliebling, einer von zwei oder drei Songs, die das ganze Publikum scheinbar auswendig konnte. Das Lied stammt vom Hit-Album „White Ladder“ und ist vielleicht auch in Deutschland dem ein oder anderen bekannt.

Zu „This Year’s Love“ tauschte David Gray die Gitarre gegen das Klavier, was er dann später noch für zwei, drei andere Songs tat. Ich glaube, hier war es auch, dass ein hartnäckiger Zwischenrufer aus dem Publikum ihn dazu brachte, über R2D2 zu scherzen und darüber, er wäre „psychically linked with a lunatic in the audience“. Ich habe diesen kurzen Wortwechsel leider nicht so ganz mitbekommen, aber der Rest des Publikums fand es sehr witzig.

Tja, und dann kam „The One I Love“ und ich war halbwegs baff. Dieses Lied stammt von Davids letztem echten Studio-Album, welches sich von seiner früheren Arbeit durch wesentlich stärkere Betonung der Instrumentalisierung unterscheidet. Und es ist nebenbei eines meiner absoluten Lieblings-Songs. Was ich nicht erwartet hatte war, dass David Gray daraus eine echte Rock-Fassung gemacht hat. Dazu kamen auch zwei weitere Band-Mitglieder auf die Bühne, die Scheinwerfer schalteten auf violett und dann hatte man das Gefühl, zwei kleine Brian Mays würden direkt im Gehörgang Gitarre spielen.

Einerseits ist das ja etwas Schade, weil ich auch bei diesem Lied den Text sehr interessant finde. Andererseits war es schon spannend zu sehen, dass David Gray eben auch das kann: Innerhalb von dreißig Minuten hatte er sich da von einem ruhigen Song mit Akustik-Gitarre zu einer Fünf-Mann-Rockband gewandelt. Und während er ja klassischerweise und aufgrund seiner frühen Werke meistens als Singer-Songwriter gesehen wird, hat er eben auch diese Rolle drauf.

Es folgten „Sail Away“ und dann „You‘re The World To Me“, ein sehr schöner Song und der einzige völlig neue Song auf dem kürzlich erschienenen Greatest-Hits-Album.

Was die Song-Auswahl betrifft hat er fast von jedem seiner Alben etwas gesungen, mit einer Betonung auf den neueren Werken verständlicherweise. Einige meiner Lieblingssongs waren nicht dabei, andererseits umfasst die Liste meiner Lieblingssongs von David Gray auch seine halbe Discographie.

Weiter ging es mit „Everytime“ und „Slow Motion“, letzteres wieder am Klavier. „Nightblindness“ wurde genutzt, um eine längere Improvisation einzubauen. Das Lied vom „White Ladder“-Album ist ja auch so schon nicht gerade kurz, aber es dauerte hier eine gefühlte Viertelstunde und erinnerte mich zwischenzeitlich nicht mehr sehr an den eigentlich sehr ruhigen Song von der CD.

Danach folgten noch fünf weitere Songs bevor das Konzert eigentlich zu Ende war. Aber natürlich gab es eine Zugabe von drei weiteren Liedern. „The Song of Wandering Aengus“ ist aus einem Gedicht des irischen Poeten William Butler Yeats entstanden, veröffentlicht 1899. Von wem die Musik stammt bin ich mir nicht sicher, aber das Lied war auf jeden Fall eines der schönsten des ganzen Abends. Noch einen Tick ruhiger als „One Too Many Mornings“ und sehr lyrisch passte es perfekt zu David Grays Repertoire.

Dann setzte sich David Gray noch einmal ans Klavier für „Lately“ und „Please Forgive Me“. Dieser Song von „White Ladder“ war wieder dem ganzen Publikum bekannt, und David Gray wedelte schon einfach nur noch in Richtung des Publikums, wenn er einen Gesangseinsatz haben wollte.

Fazit

Trotz der etwas störenden Lautstärke fand ich war es ein gelungener Abend und ein Erlebnis, David Gray mal live zu sehen. Nicht dass ich daran gezweifelt hätte, aber sein Können und seine Vielseitigkeit als Musiker hat er an diesem Abend wirklich bewiesen. Und wenn er mal bei euch in der Nähe ist, geht ruhig hin. Es lohnt sich!

Fotos

Alle Fotos auf dieser Seite sind von Djk, welcher mir die Verwendung freundlicherweise erlaubt hat. Ursprünglich wurden sie im David-Gray-Forum gepostet. Die Bilder wurden am 03. März 2008 in Edinburgh aufgenommen. Vom Konzert in Cardiff habe ich bisher leider keine Fotos gefunden, diese Bilder geben die Atmosphäre in Cardiff aber exzellent wieder.

Auf den Fotos kann man übrigens auch die immer wieder andere Beleuchtung sehen, und die Kreativität der Beleuchtungstechniker ist mir an dem Abend schon positiv aufgefallen. Negativ aufgefallen sind mir die vielen Leute, die immer wieder mit Blitzlicht fotografiert haben. Man könnte sich fragen, warum man dann nicht irgendwo ein paar Bilder im Netz findet. Aber die Antwort lautet vermutlich, dass man mit einem Blitzlicht von der Galerie aus höchstens den Hinterkopf der Leute vor einem anleuchtet…

Update Nov 2009: Bei YouTube findet sich eine Live-Aufnahme von „Wandering Aengus“. Nicht die beste Tonqualität, aber man bekommt einen guten Eindruck dieses sehr schönen Songs.

Soweit nicht anders angegeben: © Johannes Ruthenberg. Lesen erwünscht, Zitieren erlaubt, Übernahme des kompletten Textes oder Einbinden des Feeds in andere Webseiten nicht gestattet! Für mehr Infos dazu siehe http://johannes-ruthenberg.de/infos.

Ich habe also in „Land Of The Living“ und „Line In The Sand“ reingehört, und war beeindruckt. Dass es so lange gedauert hat, bis ich mir das Album „The Red Thread“ gekauft habe, liegt vor allem daran, dass man es in Deutschland nur zu exorbitanten Preisen bekommt. Aber nun zum Album: Es ist 2004 erschienen und enthält zehn Songs. Einige davon sind Cover-Versionen, aber den Großteil hat Lucy Kaplansky zusammen mit ihrem Mann Rick Litvin selbst geschrieben. Die Lieder im einzelnen:

1. I Had Something
2. Line In The Sand
3. Love Song/New York
4. This Is Home
5. Off And Running
6. Land Of The Living
7. Cowboy Singer
8. Hole In My Head
9. The Red Thread
10. Brooklyn Train

Ihre Musik ist eher ruhig, beschwingt aber nicht gehetzt. Nur in zwei der Songs wird sie etwas schneller. Die Instrumentalisierung basiert auf Gitarre, Bass und spärlich eingesetztem Schlagzeug (erinnert mich spontan ein wenig an Roxy Music). Die Hauptrolle spielt eindeutig Lucys Stimme. Ich hatte ja schon erwähnt, dass Lucy Kaplansky am Anfang ihrer Karriere mit Shawn Colvin zusammen gearbeitet hat. Da wundert es nicht, dass ich beim Hören letztens noch dachte, dass ihre Musik sehr nach Shawn Colvin klingt.

„Another bomb lights up the night
For someone’s vision of pararadise
But it’s just a wasted sacrifice
That fuels the hate on the other side“

So angenehm dieses Album anzuhören ist, egal ob leise im Hintergrund oder lauter aufgedreht: Wenn Lucy Kaplansky das Telefonbuch vorsingen würde, hätte sie vermutlich meine Aufmerksamkeit nicht erregt. Hängen geblieben bin ich an ihrer Musik viel mehr der Texte wegen. Zuerst kannte ich ja nur „Land Of The Living“ und „Line In The Sand“, und dies sind immer noch meine Lieblingssongs des Albums. „Line In The Sand“ ist, so denke ich, eine Beschreibung des Konflikts in Israel, obwohl es letztlich auf jeden der Kriege zutrifft, die irgendwo auf der Welt geführt werden. Lucy Kaplansky und Rick Litvin beschreiben darin die Sinnlosigkeit der Gewalt, die nur neue Gewalt und Hass hervorbringt. Und alles für eine Linie im Sand, hinter der angeblich das gelobte Land liegt. Das trifft es wirklich, finde ich.

Genauso treffend ist „Land Of The Living“: Kaplansky und Litvin beschreiben darin die Stimmung in New York nach den Anschlägen vom 11. September 2001. Kaplansky wohnt seit langem in New York und hat das alles hautnah mitbekommen. Das Lied beschreibt vordergründig ihren Weg vom Flughafen nach Hause, erzählt von Aufräumarbeiten, vermissten Personen, den Blumen für die Feuerwehrleute, aber auch von unmotivierter Gewalt gegen Muslime. Hier steht nicht so sehr die Sinnlosigkeit dieser Anschläge im Mittelpunkt, sondern die Message ist vielmehr, dass das Leben weitergeht. Deswegen der Titel, „Land Of The Living“. Mich beeindruckt da vor allem, wie realistisch die Situation in New York beschrieben wird, und doch völlig ohne Hass oder Hurra-Patriotismus.

Ein Thema, dass sich durch mehrere Songs zieht, ist vor allem im titelgebenden Lied „The Red Thread“ umgesetzt. Kaplansky schreibt dazu im Booklet des Albums:

„There is an ancient belief in China that when a child is born, invisible red threads reach out from the child’s spirit to all of the important people who will be part of the child’s life. The threads may tangle, but they will never break.“

Das Album heißt also „Der Rote Faden“ und nicht „Die Rote Gefahr“ – da muss man aufpassen, dass man sich nicht verschreibt. Dieser sehr schöne Gedanken wird in mehreren Songs aufgegriffen, da sie und ihr Mann während der Entstehung des Albums ein chinesisches Mädchen adoptierten. „I Had Something“ dreht sich allgemein darum, „This Is Home“ dagegen ganz konkret um die Adoption. „Brooklyn Train“ ist gewissermaßen ein Crossover zwischen „The Red Thread“ und „Land Of The Living“, während „The Red Thread“ das Thema aus ihrer Beziehung zu ihrem Vater heraus beschreibt. Das ganze gibt dem Album ein schönes Gefühl der Zusammengehörigkeit und Abgeschlossenheit, und gleichzeitig wertet es die Lieder meiner Meinung nach auf, dass Lucy Kaplansky da nicht über irgendetwas singt, Texte anderer Autoren einfach nachsingt, sondern ganz konkret Situationen ihres Lebens thematisiert.

Einige weitere Songs sind wie erwähnt Cover-Versionen oder wurden von anderen Autoren verfasst, und zu diesen habe ich dann auch nicht den gleichen Zugang wie zu Kaplanskys eigenen Texten. „Cowboy Singer“ passt vor allem inhaltlich irgendwie nicht so zum Rest. Wirklich gut dagegen ist „Hole In My Head“, der Song des Albums mit der meisten Power. Das hat durchaus Ohrwurm-Qualität:

„Hole in my head, hole in my head
I need a boy like you like a hole in my head“

Alles in allem kann ich dieses Album nur empfehlen. Es ist ruhigere Musik, irgendwo zwischen Folk, Pop und Country angesiedelt. Man kann sie wunderbar zur Arbeit hören, im Hintergrund, aber eben auch laut aufgedreht. Und durch die guten Texte wird aus einem guten Album ein erstklassiges Album.

Die Website der Sängerin ist hier zu finden: www.lucykaplansky.com

Soweit nicht anders angegeben: © Johannes Ruthenberg. Lesen erwünscht, Zitieren erlaubt, Übernahme des kompletten Textes oder Einbinden des Feeds in andere Webseiten nicht gestattet! Für mehr Infos dazu siehe http://johannes-ruthenberg.de/infos.

Seit einiger Zeit nehmen nun offenbar Brian, Roger und Paul Rodgers ein neues Studioalbum auf, nachdem ihre Tour 2005/2006 sehr erfolgreich war. Da sie zum Konzert anlässlich des Welt-AIDS-Tages am 1. Dezember nicht nach Johannesburg kommen konnten, haben sie statt dessen dieses Lied in einer neuen Aufnahme quasi gespendet, um Nelson Mandelas Kampagne zu unterstützen: Im Dezember konnte man es eine Zeit lang legal und kostenlos von der Queen-Website herunterladen. Wie man hier lesen kann haben von diesem Angebot wohl am ersten Wochenende allein über 100.000 Menschen Gebrauch gemacht.

Der Song ist die erste neue Veröffentlichung von Queen seit „No-One But You“ 1997. Ich kannte bisher nur die Live-Version, gesungen von Roger. Die neue Version ist etwas orchestraler, nicht mehr so still, und alle drei singen einen Teil des Songs. Durch die Stimmen von Brian und Paul erhält der Song noch mal eine etwas andere Qualität. Mal ganz abgesehen von dem genialen Text von Roger Taylor klingt der Song auch einfach gut, ein perfekter Queen-Song. Von der Melancholie her erinnert er mich etwas an „The Show Must Go On“, gerade mit der neuen Instrumentierung.

Inhaltlich geht es um den Schock, die Positiv-Diagnose zu bekommen, und um die Situation danach:

Say it’s not true
Say it’s not real
Can’t be happening to you
Can’t be happening to me

Ende Dezember erschien dann „Say It’s Not True“ als Single. Die CD enthält lediglich den einen Song sowie das Video dazu. Das ganze kommt etwas unaufgeregt daher, ein schlichtes Schwarzweiß-Cover, keine persönliche Botschaft von Brian und das Video kann man wohl nur mit QuickTime abspielen (*.mov). Man muss dabei aber bedenken, dass dies keine der üblichen Single-Auskopplungen aus einem neuen Album ist, sondern unter einigem Zeitdruck veröffentlicht wurde und in erster Linie zur Unterstützung der 46664-Kampagne gedacht ist. Folglich werden auch alle weltweiten Einnahmen aus dem Single-Verkauf an 46664 gespendet.

Lohnt sich der Kauf, wenn man schon die Download-Version des Songs besitzt? Ich konnte ehrlich gesagt wenn überhaupt nur kleine Unterschied raushören. Man könnte sich einbilden, die neue Version würde etwas besser klingen, aber vielleicht höre ich das auch nur raus, weil die Single so beworben wird („a new mix, heightened by further studio work by the band after the necessity of delivering an early mix for download in time for World AIDS Day“). Aber ich finde, es ist ein wirklich einfacher Weg, für eine gute Sache zu spenden, und man bekommt dafür einen wirklich tollen Song. Natürlich fällt die Entscheidung hier viel leichter, wo die CD für 1,99 Pfund zu haben ist, während sie bei Amazon.de für 5,95 Euro gelistet ist.

Wer jetzt neugierig geworden ist und den Song noch nicht kennt, kann hier ja mal reinhören:

YouTube-Video anzeigen

Soweit nicht anders angegeben: © Johannes Ruthenberg. Lesen erwünscht, Zitieren erlaubt, Übernahme des kompletten Textes oder Einbinden des Feeds in andere Webseiten nicht gestattet! Für mehr Infos dazu siehe http://johannes-ruthenberg.de/infos.

Yamit Mamo ist eine ursprünglich aus Israel stammende Sängerin, die mittlerweile in der Musikszene Londons recht erfolgreich ist. Auf ihrer MySpace-Seite kann man „Love Our Time Today“ und einige andere Songs ihrer ersten EP hören. Leider ist die Seite ziemlich unklar, was man bekommt, wenn man die EP per PayPal kauft. Trotzdem: Reinhören lohnt sich. Mir hat es immer noch vor allem „Love Our Time Today“ angetan. Der Song ist sehr melodisch, sanft mit Gitarre unterlegt, lebt aber völlig von der sicheren und beschwingten Stimme Yamit Mamos.

Es stellte sich dann übrigens sehr schnell heraus, dass ich Yamit Mamo schon kannte: Sie singt den Song „The Stowaway“ im Christmas-Special von „Doctor Who“. Dort war sie im Ballsaal der Titanic in einer Szene auch zu sehen, zusammen mit dem Dr.-Who-Komponisten Murray Gold (siehe nächstes Bild, Gold steht rechts neben Yamit Mamo), und im Confidential dazu konnte man ein bisschen mehr von der Aufnahme des Songs sehen. Das Lied ist auf der Soundtrack-CD zur dritten Staffel von „Doctor Who“ enthalten, genau wie der Song „My Angel Put The Devil In Me“. Und dass ich Yamit Mamo daher kannte, ist ja auch kein Wunder, hat doch Murray Gold auch den Soundtrack zu „Death At A Funeral“ geschrieben. Es war zwar nirgends eine Info zu finden im Netz, aber die Chancen sind ganz gut, dass er auch „Love Our Time Today“ geschrieben hat.

Also: Namen merken, auf der Website mal reinhören und den Doctor-Who-Soundtrack kaufen. Und vielleicht gibt es Yamit Mamo ja auch bald normal im CD-Laden zu erstehen.

Ach ja, auch „The Stowaway“ kann man online hören bei Silva Screen Records.

Update 15.08.2008: Ich habe einen längeren Text zum Soundtrack der dritten „Doctor Who“-Staffel veröffentlicht, auf dem auch zwei Songs von Yamit Mamo drauf sind.

Update 04.01.2009: Mittlerweile habe ich mir die EP von Yamit Mamo einfach mal bestellt. Auf der CD sind sechs von Yamit Mamo geschriebene Songs enthalten („Play It Again“, „3 Sixty“, „Gone“, „Fly Free“, „Disarray“, „Hands Of A Child“), zusammen sind das etwa 25 Minuten Musik. Die Stücke sind eher ruhig und langsam und irgendwo zwischen Jazz und Blues angesiedelt, denke ich.

Und ich war wirklich etwas überrascht, wie wenig mich die CD begeistert hat. Die Musik ist schon gut anzuhören, aber es haut mich nicht wirklich um. Im Gegensatz dazu finde ich „Love Our Time Today“ und die beiden Songs vom Doctor-Who-Soundtrack immer noch genial, und ich muss wohl annehmen, dass das etwas mit Murray Gold zu tun hat. Es wäre also vermutlich ideal, wenn Murray Gold für Yamit Mamo mal 12 bis 14 Songs schreiben würde!

Soweit nicht anders angegeben: © Johannes Ruthenberg. Lesen erwünscht, Zitieren erlaubt, Übernahme des kompletten Textes oder Einbinden des Feeds in andere Webseiten nicht gestattet! Für mehr Infos dazu siehe http://johannes-ruthenberg.de/infos.